Mario Patella

Mario Patella è un artista Veneto che si forma presso l'Accademia di Belle Arti di Venezia per poi focalizzare la sua ricerca nella rappresentazione della natura, mantenendo sempre forte il legame con l'arte del passato. 

La natura che rappresenta l'artista richiama così le potenti opere di Turner o le atmosfere dipinte dagli Impressionisti, proprio perché la luce e il colore sono al centro della creazione di ogni tela. Mario Patella dipinge una natura silenziosa, dove la presenza umana è assente, una natura quasi idealizzata ma capace di parlare agli occhi dello spettatore. Se l'uomo non appare nelle opere di Mario Patella, la figura umana è comunque al centro, proprio perché è la fantasia dello spettatore che completa la visione dell'opera. L'artista, infatti, progetta ogni lavoro mettendo al centro lo spettatore che viene avvolto nella visione del paesaggio da quell'atmosfera silenziosa e ricca di armonia. Quelli di Mario Patella sono così paesaggi capaci di evocare emozioni e sensazioni, sono dei paesaggi dell'anima che traducono attraverso la natura e i suoi colori l'anima dell'artista.

Allo stesso modo delle opere di Van Gogh, quelle di Mario Patella raccontano prima di tutto uno stato d'animo ma se il primo lo fa attraverso il segno delle pennellate dinamiche sulla tela, il secondo lo realizza attraverso i colori e la luce, ricchi di energia primordiale.

Mario Patella dipinge così le atmosfere, una natura in perenne trasformazione, dove il cielo muta continuamente forme e colori, proprio come facevano i grandi artisti Impressionisti. Ed è proprio attraverso l'uso del colore e della luce che l'artista costruisce ogni suo lavoro ma rispetto agli artisti Impressionisti, Mario Patella crea un colore dinamico, energico, che richiama le opere di Turner.

Quello di Mario Patella è un colore in grado di generare esplosioni di luce sulla tela e di catturare così l'occhio dello spettatore, generando visioni dell'opera in perenne trasformazione. 

Proprio come nelle opere di Turner il modello idea della natura è il cielo, un elemento in perenne movimento, che si presenta con forme e colori sempre rinnovati. Un elemento che è anche al centro di tutta la storia dell'arte, rappresentato da ogni artista, fondamentale per la pittura veneta come per l'Impressionismo ma che in Turner trova la sua massima espressione. Il cielo di Turner appare con pennellate veloci, quasi come un vortice che esplode di luce, una pennellata quasi astratta, capace di creare un'atmosfera. Allo stesso modo Mario Patella realizza cieli dimostrando una grande tecnica e una profonda conoscenza dei maestri del passato e attraverso la pennellata quasi soffusa, crea esplosioni di luce e colori. Il cielo di Mario Patella sembra emergere dal dipinto e allo stesso tempo immerge lo spettatore nell'opera, è un cielo capace di creare un'atmosfera fuori e dentro la tela. L'artista dipinge l'atmosfera soffusa e allo stesso tempo l'energia della luce, con una pennellata in grado di cogliere ogni minima trasformazione del cielo, un tocco leggero ma allo stesso tempo dinamico. Il  movimento del cielo, in perenne trasformazione, è così al centro della ricerca dell'artista che si rifà anche ai grandi maestri del passato veneziano e che studia a fondo durante i suoi percorsi accademici. Ed è così che le pennellate veloci di Tintoretto, la luce dei cieli rosa di Tiepolo o gli azzurri di Tiziano (ispirati proprio alle montagne di Piave di Cadore in cui si muove Mario Patella) si fondono nelle opere di Mario Patella per creare lavori unici e in perenne metamorfosi agli occhi dello spettatore.

Le opere di Mario Patella uniscono armonia ed energia, silenzio e rumore, luce e ombra, natura e uomo ed è un artista capace di parlare con un linguaggio dinamico e contemporaneo al suo pubblico ma mantenendo sempre forti radici nell'arte del passato, dai grandi pittori veneziani agli impressionisti. 

 

Ho svolto gli studi a Venezia al Liceo Artistico Statale e successivamente all'Accademia di Belle Arti di Venezia, cattedra di pittura Carlo di Raco, assistente Luciano Zarotti, due grandi insegnanti.

 

Ve ne sono molti, sia nell'arte del Novecento del secolo scorso, sia nell'arte antica, dal 1400 al 1700. 

 

Turner è stato un grande rivoluzionario, un pittore a me caro. Sicuramente ha influenzato quel mio periodo di studi, atto a finalizzare e organizzare le fondamenta per il lavoro che svolgo ora. Vidi una mostra al Museo Correr negli anni 2004-2005, mi colpirono gli acquerelli, il suo interessamento ai fenomeni atmosferici in laguna, come la nebbia, i temporali, le albe e i tramonti, qualche notturno: mi fecero scuola. Lui stesso fu colpito da queste caratteristiche dell'ambiente lagunare. Queste stesse condizioni ambientali a volte simili a quelle londinesi, innescarono una sua esperienza, visto che gli stessi paesaggi e le simili condizioni costituiscono tutt'ora l'ambiente principale in cui vivo. Il cielo in pittura è sempre stato una quinta teatrale, sino a che il romanticismo con il concetto di “paesaggio interiore” gli ha dato una parte da attore principale. Constable ne ha suggellato l'apoteosi. 

 

Di paura e di profonda riverenza. Solitamente passeggio in silenzio, mi fermo a contemplare le singole realtà, un masso, una pianta, un albero, un riflesso in acqua, cerco sempre un posto per poter stabilire un rapporto contemplativo con ciò che mi circonda.

 

Mi sposto in ambienti vicini e selvaggi, luoghi di vento e silenzio, dove ciò che mi circonda possa un giorno o in un momento particolare, tornare in superficie, affiorare con qualche carattere, in un tono, una pennellata, una sensazione. Non cerco d1 catturare la precisa immagine; le ricevo, le elabora, le restituisce.

 

Per i cieli, come per alcuni paesaggi, tutto avviene con un automatismo, quello per intenderei espresso prima: accolgo le sensazioni, le elaboro, poi escono immagini, un processo simile ai pittori del Fronte Nuovo o pittori dell'Action Painting americana (in questo caso mi sento più vicino a Franz Kline), solo che non dipingo astratti. Il lungo progetto di studio che prima accennavo con Turner, avviene in fase preparatoria, propedeutica all'idea di ciò che voglio fare. Il concetto del "Raffaello senza mani" cioè dell'idea di un dipinto, chiara, ma ancora irrealizzato, spiega bene questa fase. Per arrivare a fare il primo buon lavoro di un cielo ho impiegato almeno cinque anni di studio.

 

Apparentemente è così, ma dipingere un cielo, un paesaggio in movimento, di fatto, con precisione, è un ossimoro. Ogni elemento è frutto di una pennellata veloce, immediata, un esito sempre differente da un altro; solo in questo modo si è coerenti all'idea di un corpo in movimento. Per il paesaggio qualcosa cambia: ogni particolare funge da “stazione visiva'', da riferimento tra fruitore, orizzonte e percezione di ciò che vi sta oltre, ovvero l'infinito, è per me necessario che il disegno sia vicino ad una realtà riconoscibile.

 

8 Quello che però domina è il colore, la ricerca delle tonalità, l'accostamento sempre ricco di equilibrio…. 

Devo lavorare con il concetto dei complementari: il colore ha delle leggi, in queste bisogna avere le necessarie conoscenze per evitare di commettere inesattezze.

 

Più che in Turner precedentemente in Canaletto, nelle sue vedute i cieli passano da punti di luce a punti di scuro, come se un fumo nero passasse ad oscurare gli azzurri e i bianchi.

Turner non può aver tralasciato questi particolari nel cielo veneziano da lui visto; per me invece uno spunto importante, un'idea su cui lavorare.

 

Ciò che più mi attrae del cielo è l'idea del paesaggio in continuo mutare. I colori sono pochi: una gamma ii grigi, di bianchi e di azzurri. Lo studio dei complementari, consente di trovare soluzioni differenti. È complesso intendere il movimento di energie che accade in una migrazione di masse come le nuvole; bisogna passare tanto tempo con la testa all'insù per cominciare a comprendere qualcosa .

 

Provo ad emulare le emozioni di chi del tempo per poter guardare lassù che succede, me compreso natural mente ... Il colore per la mia scuola è molto importante.

 

I lavori sugli esopianeti sono frutto di suggestioni, di parentesi in cui immaginavo come poteva presentarsi un mondo diverso da questo in cui viviamo: l'unica profondità emotiva si può intendere come fuga dal reale, evasione dalla normalità... Il concetto del paesaggio dell'anima, lo avvicinerei al lavoro sul cielo.

 

Forse ciò che mi avvicina a questa pittore e un'immagine di lui che ho visto in un film; una scena dove vede i movimenti dei flussi nell'aria, vede le spirali delle correnti ascensionali. Questa sensibilità: non credo di poterla raggiungere, cerco di emulare, di evocare ciò che prima ha attratto la mia attenzione. Il colore e la luce, sono mezzi meravigliosi per tentare questa pratica.

 

Il cielo permette di viaggiare restando fermi:è lui che si muove... La pittura contemporanea può trasfigurare in questa pratica.

 

L'importante e che si abbia la sensazione del movimento: ovvero da dove arriva una massa, come si origina, e dove andrà a finire... Adoro i temperali...

 

Giovanni Bellini, Giorgione, Palma il Vecchio, Tiziano, Schiavone, Tintoretto, Veronese, Tiepolo, Canaletto. Il mio maestro è sempre lui, il primo Tiziano.

Van Gogh non lo amo particolarmente, la seconda mostra mi potrebbe aiutare nel mio lavoro, non mancherò di andarla a vedere.

 

Lo spettatore sono io, pongo il punto di vista in modo tale da ottenere questa effetto: il resto viene in modo istintivo.

 

Sarebbe interessante evocare questa in chi guarda, sapendo lavorare solo con macchie di colore ... chissà, potrebbe essere un futuro plausibile...

 

E' in studio un ciclo sulle figure umane e sui miti alati, ci vuole ancora tempo pero ....

 

Se richieste non nego la disponibilità.

 

Si cerco di capire dove alla fine il mio lavoro dovrà relazionarsi con ciò che lo circonda, è un fattore importante ...

 

Dove vivo, esistono molte ville, le quali hanno il loro corrispettivo oratorio: per la maggior parte, sono strutture ormai vicine al rudere ... Ho sempre sognato di riempire le pareti di luoghi antichi con i miei lavori e di relazionarli a questi spazi.

 

Due: una al Palazzo Albrizzi a Venezia con la mia docente di incisione l'altra a San Martino di Castrozza "Percorsi innevati" dove ho visto i miei lavori esposti al termine di un percorso di dipinti che dal 1500 alla contemporaneità su tema della neve.

 

Lavorare sui cieli, lavorare sulle figure, ricerca continua su pigmenti e su tecniche pittoriche antiche.

 

Frammentaria, pluridentitaria, inconsciamente pericolosa e frenetica.

 

Credo che la pittura abbia perduto il potere coercitivo, l'unica probabilità di trovare uno pseudo messaggio risiede in chi si ferma a guardare un dipinto, un lavoro, anche non mio ... chi fa questo e perde un pò del suo tempo per accorgersi di altre faccende del mondo, ha la capacità di trovare anche ciò che non si ha avuto intenzionalità di dire.

 

Invocazione. Userei solo questo termine perché si può usare per ogni pittore  del mondo. La pittura è una disciplina, una pratica, i pittori (diceva qualcuno) sono i bambini di Dio. Va bene che chi si metta dinnanzi ad un mio lavoro, sappia invocare nel suo immaginario la fetta di cielo o di immagine dipinta, e che questa incominci a muoversi nella sua anima.